Bonjour Las Vegas! Comment la diffusion en direct transforme la scène | Organiser

UNELa saison de Noël a débuté à la fin de l’année dernière, deux critiques américains ont suivi un cours intensif sur la plupart des traditions théâtrales britanniques, la pantomime, passant à distance à huit spectacles pour le New York Times. «Je me sentais comme un ethnographe étudiant les étranges cérémonies d’une culture étrangère», en a écrit un, tandis que l’autre a apprécié le piment des blagues liées à Covid, y compris l’insertion de «rouleaux de papier toilette fiiiiiive» dans Les 12 jours de Noël.

La chanson en vedette dans Oh Yes We Are !, le mini-panto à quatre scènes du théâtre de Perth destiné aux petits groupes dans une représentation de promenade, après que le premier verrouillage ait rendu sa Cendrillon, sur une scène conventionnelle, impossible. Mais juste au moment où les répétitions devaient commencer, de nouvelles restrictions l’ont forcé en ligne.

Ainsi, en 25 représentations diffusées en direct sur une quinzaine de jours, il a été présenté à environ 3 000 écoliers et près de 10 000 ménages dans 25 pays. Le premier soir, dit dame, écrivain et réalisateur Barrie Hunter, ils ont été étonnés de trouver une famille à Las Vegas applaudissant et huant parmi le public virtuel.

L’histoire de Oh Yes We Are! caractérise la réponse positive des arts de la scène à une pandémie qui a dévasté leur industrie, mettant des milliers de personnes au chômage et posant une menace existentielle pour les bâtiments dans lesquels ils exercent leur métier. La diffusion en direct n’était pas seulement une bouée de sauvetage – elle offrait une portée dont vous n’aviez jamais rêvé auparavant. La première entreprise britannique à avoir diffusé en direct une production complète pendant la pandémie était l’innovation d’Emma Rice. Enfants sages avec Romantics Anonymous, sa comédie musicale centrée sur l’amour qui fleurit entre deux chocolatiers socialement maladroits (il souffre de transpiration nerveuse, elle s’évanouit quand les gens la regardent).

«Je suis le plus grand technophobe», dit Rice. «J’ai du mal à allumer la télé. J’ai passé le début du lockdown à résister fortement, mais j’ai été poussé par notre directeur technique Simon Baker. Nous avons utilisé notre propre peuple. J’étais devant la caméra et dans les écouteurs. Nous tournions et montions en direct. C’était comme si l’ensemble sur scène s’était étendu dans l’auditorium. J’avais plus peur que je ne l’ai été pendant des décennies, mais le frisson est extraordinaire.

Baker était à l’origine un concepteur sonore et était donc «habitué à transformer les technologies existantes en des choses dont les théâtres en direct ont besoin». Il est maintenant devenu le technicien de référence pour une foule d’autres sociétés – notamment Old Vic de Londres, qui a monté une saison de quatre spectacles extrêmement réussie de productions diffusées en direct, culminant par une renaissance all-star de A Christmas Carol.

Matthew Warchus, directeur artistique d’Old Vic, se souvient comment tout a commencé. «Mon idée originale folle pour notre premier spectacle, Lungs, était que Matt Smith et Claire Foy montaient sur scène, et mon assistant et moi les filmions sur nos téléphones. Alors j’ai appelé Simon et j’ai dit: “Est-ce que ça va marcher?” Et il a dit: “ Vous avez probablement besoin d’un peu plus de kit que ça. ” Nous avons parcouru environ quatre caméras différentes, ainsi que des trépieds, des chariots et des pistes, les micros radio à utiliser et le logiciel sur lequel mélanger le tout. »

Avec un nombre de billets limité à 1000 mais augmentant à 5000 au cours de la saison, ces spectacles en grande partie à guichets fermés ont payé leur chemin – et, dans le cas de A Christmas Carol, ont fourni du travail à 80 pigistes assiégés. Mais Warchus souligne que cela a été un effort communautaire énorme – et insoutenable – impliquant des réductions de salaire volontaires pour les employés qui n’ont pas été congédiés ou licenciés, et les stars faisant des offres de bonne volonté de leurs services. Andrew Scott a même réussi à jouer dans ce plus rare des choses, une première pendant la pandémie. Three Kings, la pièce de théâtre de Stephen Beresford sur les retombées déclenchées par le retour d’un père absent, a atteint 72 pays.

Mais quelle part de cette innovation survivra à la crise? Et pourrait-il même constituer une menace existentielle pour les performances live lorsque le public réel peut enfin revenir? Le Théâtre national – qui a attiré l’été dernier 15 millions de téléspectateurs dans 173 pays pour une saison de spectacles gratuits – a récemment annoncé qu’il développait son volet NT Live en un service payant. Mais bien que les sept pièces de théâtre sur la nouvelle plate-forme aient été filmées lors d’émissions en direct, elles ne sont pas en direct dans le sens d’être diffusées simultanément, elles ne sont donc pas si susceptibles d’affecter les ventes de sièges.

Nicholas Kenyon, directeur du Barbican Centre multiplateforme de Londres, souligne que le Metropolitan Opera de New York diffuse en direct depuis 2006 sans perte évidente d’audience. Le Barbican a fait ses débuts en direct en octobre, avec 12 concerts filmés en direct avec un public éloigné. «Il y a certainement un côté positif», dit-il, «mais je pense que cela ne va pas exclure le live. Ce sera un nouvel équilibre, un hybride: une performance conçue pour les deux publics. Dans quelle mesure ce sera faisable lorsque les théâtres recommenceront à se remplir est, concède-t-il, un point discutable.

Wigmore Hall organise 40 autres concerts gratuits en ligne à l’approche de Pâques, diffusés depuis la salle vide et a collecté près de 1 million de livres sterling de dons depuis le lancement de l’initiative en juin.

Le Traverse d’Édimbourg, quant à lui, a mis en place un lieu en ligne sur mesure, Traverse 3, et a profité de l’annulation du festival d’Édimbourg l’année dernière comme une chance de monter sa propre saison virtuelle, qui s’est avérée si réussie qu’elle en a rendu 12 disponibles en téléchargement gratuit pour une temps. «Autant que tout le reste», déclare la productrice exécutive Linda Crooks, «il s’agit d’essayer de dialoguer avec le public et les artistes. Depuis que nous avons reçu des fonds de secours en juillet, nous avons travaillé avec plus de 200 artistes indépendants – au moins 300 si vous comptez la collaboration indirecte. Nous l’avons utilisé comme une opportunité d’explorer le numérique, le considérant simplement comme une manière distante de faire de l’art.

L’innovation la plus encourageante est peut-être la croissance de la collaboration. Provocateurs théâtraux Headlong et English Touring Theatre se sont associés à plus de 25 autres compagnies de tournée pour Signal Fires, mis en place pour être joués en direct sur les réseaux locaux ou diffusés à l’échelle nationale dans un esprit de faire brûler les feux de camp. Lorsque Liverpool, où Headlong devait présenter sa contribution, a été fermé, ils sont passés aux téléphones, projetant le numéro sur le côté d’une église bombardée afin que les passants puissent appeler pour entendre David Morrissey ou Leanne Best exécuter un effrayant. histoire, The Ghost Caller.

Si les petites et jeunes entreprises ont été les plus durement touchées, elles ont également la possibilité d’essayer de nouvelles idées. Beaucoup commençaient à le faire de toute façon. Dante or Die a recréé un spectacle conçu pour être joué dans les cafés en ce qu’ils ont décidé d’appeler un podcast vidéo. En utilisant l’écran d’accueil d’un téléphone mobile comme scène, User Not Found a proposé une réflexion intelligente sur la façon dont nos identités numériques nous survivront. Il met en vedette Luka, qui a laissé 33 000 tweets à effacer à son ex-amant, soit «à peu près la longueur de The Brothers Karamazov».

La société de tournée Uninvited Guests, quant à elle, a transformé l’une de ses émissions existantes en Love Letters from Home, qui invitait des dédicaces de chansons et des messages personnels d’un public Zoom. «C’était toujours une émission très intime», déclare le réalisateur Paul Clarke. «Nous nous sommes assis autour de tables, un peu comme une réception de mariage, et avons servi du cava au public. Mais ce que nous avons découvert, c’est que, à certains égards, c’est encore plus intime lorsque les interprètes vont de leurs propres espaces domestiques dans les maisons des gens.

La crise a accéléré la montée en puissance d’une nouvelle race d’artiste de théâtre, selon Holly Race Roughan de Headlong. «Nous sommes peut-être des créateurs de théâtre / numérique / de mode», dit-elle (ce développement a été baptisé la «génération slash» par Kwame Kwei-Armah du Young Vic). “Cela est en partie lié au capitalisme et à l’insécurité de l’emploi. Mais le théâtre vous permet de dire: «Je suis actuellement assis dans un seau mais nous allons imaginer que nous sommes sur l’océan». Et cela vous permet de l’appliquer sur de nombreuses plates-formes différentes. Je pense que nous verrons un saignement entre les formes, une nouvelle inventivité qui s’annonce. “

Emma Rice n’a aucun doute. «Je suis évangélique à ce sujet», dit-elle. «Je suis à ce stade de la vie où il est difficile de se surprendre et vous ne luttez plus artistiquement. Vous devez donc remarquer quand vous êtes déséquilibré – parce que c’est là que réside l’excitation. Cela m’a rendu beaucoup plus conscient visuellement et je pense que je vais intégrer cet «objectif filmique» dans mon travail. Nous ne capturons pas les performances. Nous capturons un moment partagé d’humanité vivante. »