janvier 15, 2022

Cinq films internationaux à diffuser maintenant

Par andy1712


À l’ère du streaming, la terre est plate – la taille d’un écran – avec des voyages vers des destinations lointaines seulement un abonnement mensuel et un clic. Nous avons parcouru le monde des options et choisi les meilleurs nouveaux films internationaux à regarder.


Louez-le sur Amazon.

Ce n’est qu’après avoir ri, pleuré et rongé mes ongles en regardant “Binti” que j’ai réalisé qu’il était tagué dans la catégorie “enfants” sur Amazon. Réalisé par Frederike Migom, ce film belge réussit un exploit rarement vu dans le cinéma américain pour enfants : il intègre des problèmes réels d’inégalité raciale et d’immigration qui donnent à réfléchir dans une histoire de bien-être sans jamais condescendre à son public. Au cœur battant et débordant de ce film se trouve Binti, 11 ans (jouée par la vivace Bebel Tshiani Baloji), une immigrée congolaise sans papiers qui vit en Belgique avec son père. C’est une adolescente obsédée par les médias sociaux avec un nombre important de followers en ligne, amassé à travers des vidéos qui donnent une tournure glamour à sa vie précaire.

Lorsqu’une descente de police oblige Binti et son père à fuir la maison où ils squattent avec d’autres sans-papiers, elle croise Elias (Mo Bakker), un adolescent blanc qui peine à accepter le divorce de ses parents. Avec la foi miraculeuse en l’humanité typique des films pour enfants, Elias et sa mère décident de mettre Binti et son père à l’abri. Bientôt, cette famille de fortune qui en résulte organise un spectacle de danse-bénéfice pour un animal qu’Elias adore, le okapis, espèce en voie de disparition apparentée à la girafe et endémique de la République Démocratique du Congo. La chaleur et la comédie traversent ces bouffonneries, mais lorsque les personnages sont confrontés à la menace d’expulsion, Migom la traite avec un sérieux lucide, liant le tout dans un point culminant à la fois réaliste dans sa représentation d’un monde injuste et optimiste quant au potentiel des personnes. – et en particulier les enfants – pour améliorer les choses.

Diffusez-le sur HBO Max.

Élégant, plein de suspense et tout à fait surprenant, “Workforce” se déroule dans sa première moitié comme un drame kafkaïen granuleux sur les travailleurs exploités. Après avoir perdu son frère dans un accident du travail, Francisco (Luis Alberti), un ouvrier du bâtiment à Mexico, tente d’obtenir une indemnisation pour sa belle-sœur enceinte et est bloqué par une bureaucratie indifférente et corrompue. Dans des scènes néoréalistes d’une composition saisissante, le réalisateur David Zonana détaille le travail quotidien de Francisco et de ses collègues. Non seulement les hommes peinent toute la journée pour construire une maison somptueuse qui a l’air obscène par rapport à leurs propres huttes exiguës et qui fuient, mais ils subissent également des indignités routinières au travail : longues heures, salaire manqué, déductions pour des erreurs mineures.

Mais à mi-parcours, ce drame d’évier de cuisine à combustion lente change soudainement de forme, alors qu’une tournure sombre amène Francisco et ses collègues à reprendre la maison et à y vivre avec leurs familles. Les délibérations et les négociations du groupe – et leur étonnement devant le luxe relatif qui leur est désormais disponible – sont émouvants et captivants à regarder. Mais un malaise persiste et grandit à travers tout cela, alors que Francisco se transforme en une figure glissante et moralement ambiguë. Zonana garde ses cartes près de sa poitrine jusqu’à la toute fin, transformant une critique excoriante des inégalités de classe et de la corruption du capital en un thriller tendu.

Cette histoire de super-héros malayali commence par un bang littéral. Dans un petit village de l’État du Kerala, dans le sud de l’Inde, une vague de foudre précipitée par un événement astronomique rare frappe deux hommes en même temps : Jaison (Tovino Thomas), un beau jeune tailleur qui rêve de déménager en Amérique pour trouver du travail ; et Shibu (Guru Somasundaram), un paria excentrique dont l’amour perdu depuis longtemps vient de revenir en ville. Dès le départ, le film met en place un mystère intrigant. Lequel de ces deux hommes, qui tous deux crachent bientôt des mucosités bleues et déplacent des objets avec leur esprit, est le super-héros du titre du film (“minnal” signifiant “foudre”) ? Et sont-ils des coéquipiers potentiels ou des antagonistes ?

Dans une tactique narrative intelligente, “Minnal Murali” ne clarifie pas ces questions avant au moins une heure dans le film, retraçant plutôt l’arrivée au pouvoir de ses deux protagonistes avec une empathie et un esprit égaux. Vêtu de déguisements décousus, Jaison utilise sa nouvelle méga-force pour donner une leçon à la police stupide et corrompue de la ville, tandis que Shibu défend son béguin contre des mecs lubriques et braque une banque pour aider la fille malade de la femme. Jaison signe ses singeries sous le nom de Minnal Murali, et lorsque le village suppose que les escapades de Shibu sont également du même homme masqué, des confusions et des rivalités s’ensuivent. Les enjeux finissent par augmenter, mais pour la plupart, le film de Basil Joseph ressemble moins à un acteur de super-héros qu’à une charmante comédie provinciale. Mettant en vedette une distribution d’ensemble fantastique à l’unanimité, le film se délecte des bizarreries attachantes d’un petit village et des humbles aspirations qui animent même ses habitants les plus puissants.

Diffusez-le sur Mubi.

“Gritt” est le surnom de Gry-Jeanette, l’artiste de performance au cœur du film d’Itonje Soimer Guttormsen, mais cela pourrait aussi être une référence à une qualité que notre protagoniste têtue et tête dans les nuages ​​a peut-être en excès. Lorsque nous rencontrons Gritt pour la première fois, elle est à New York avec une troupe de théâtre norvégienne en tant qu’assistante d’une actrice trisomique, qu’elle considère avec envie et ressentiment. C’est la dernière d’une série de tentatives de globe-trotter de Gritt pour pénétrer la scène artistique d’avant-garde, et cela semble prometteur lorsqu’un directeur de théâtre local la met en contact avec un collègue à Oslo.

Comme nous l’apprendrons bientôt, cependant, Gritt n’a ni les ressources (elle n’a pas de foyer stable et se voit refuser des subventions gouvernementales en raison d’un manque d’expérience) ni l’intégrité pour donner vie à ses nobles idées. À Oslo, elle décroche un apprentissage au Théâtre de la cruauté et commence à travailler sur un projet avec des réfugiés syriens locaux, pour tout gâcher avec de mauvaises décisions et des mensonges égoïstes – un tournant qui incite finalement à une introspection. Avec des artistes réels de New York et d’Oslo apparaissant comme eux-mêmes, et une cinématographie frénétique et portative qui invoque la télé-réalité, “Gritt” lui-même peut parfois ressembler à de l’art de la performance – un portrait de personnage qui aiguillonne le spectateur avec son son profondément ambigu mais sujet saisissant, interprété avec un superbe engagement par Birgitte Larsen.

Diffusez-le sur Ovid.

Le personnel et le politique s’entremêlent de manière fascinante dans l’essai documentaire méditatif de Federico Atehortúa Arteaga. Le réalisateur avait initialement prévu de faire un film sur ce qui est largement considéré comme les débuts du cinéma colombien : la reconstitution d’une tentative d’assassinat de 1906 contre le président du pays, Rafael Reyes, pour un reportage photographique. Alors qu’il travaillait sur ce projet, la mère d’Atehortúa Arteaga a développé un cas soudain de mutisme que les médecins ne pouvaient pas expliquer. Dans “Mute Fire”, le réalisateur établit des liens associatifs entre ces deux événements, les tressant ensemble dans une enquête inspirée sur la performance, le traumatisme et les manières tacites dont le poids des guerres sanglantes de la Colombie est porté corporellement par son peuple.

À l’aide d’images d’archives et de vidéos personnelles, Atehortúa Arteaga déroule une enquête sur le rôle que jouent les images dans la mémoire familiale et historique. Habilement, avec une voix off poétique, il tisse ensemble les premiers films de Thomas Edison, qui recréaient des exécutions célèbres ; la polémique autour d’un des tout premiers films réalisés en Colombie, capturant la mort du leader politique Rafael Uribe Uribe ; et le scandale des « faux positifs » de l’armée colombienne, impliquant des milliers d’hommes et de femmes innocents assassinés et présentés comme des morts au combat pendant le récent conflit civil du pays. La guerre, Atehortúa Arteaga le démontre de manière émouvante, se combat autant avec des images qu’avec des armes, et comme ces images persistent dans le temps, il en va de même pour les nombreuses blessures de la bataille.